Invadir la seguridad

Parte del lunes 26 y prácticamente todo el martes 27 han sido unos días de vergüenza ajena. De la grande. Y encima ha tocado cerca, a una amiga, a una persona que se esfuerza y a la que han hundido porque hay miserables en este mundo.

¿De qué hablo? Del evento Gaming Ladies, organizado por Marina Amores (seguro que ya la conocéis por su documental “Mujeres + Videojuegos”) y que se iba a celebrar el 27 de julio.

La segunda edición de Gaming Ladies tendrá lugar el 27 de julio. Toda la info en este enlace ¡Os esperamos! https://t.co/6tYpCjHIeG pic.twitter.com/9LXg0PjAO2

— Gaming Ladies (@Gaming_Ladies_) 26 de junio de 2017

Digo «iba» porque… bueno, os dejo un resumen de la situación, recopilado por Pepo Jiménez para Voz Populi, quien ha tenido también la buena idea de hablar con Marina al respecto. Y recomiendo leerlo, por tener contexto y antes de seguir.

Por añadir, porque se van a repetir cosas ya dichas por aquí mil y una veces, estaría bien leerse este par de artículos que puse en el blog en su momento, “El paradigma sigue cambiando” (a pesar de ser de 2015, aún resiste al paso del tiempo) y “No te ofendas, es un juego” (que trajo cola… para lo habitual de este blog, digo).

También recomendaría leer este artículo de Mar, la jefa de Todas Gamers, titulado “Una pequeña historia”, y que aun siendo anterior a lo que ha sucedido con Gaming Ladies es relevante. Y es también un ejemplo del hartazgo que se percibe en muchas mujeres y que estos dos días han demostrado que está muy presente.

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Por siempre jamás

Existen obras que son inspiradoras, otras con las que te sientes identificado… alguien puede pensar que una obra debe ser superprofunda para que sientas todo eso, pero no hace falta que tenga palabras complicadas ni muchos giros ni capas para provocar estos sentimientos.

“Por siempre jamás” consigue todos esos sentimientos sin hacer piruetas de guion, con las capas justas para encerrar más de lo que aparenta, y con un ritmo que sabe adaptarse a la situación.

Ya conocéis a Alicia Güemes “Laurielle”, dibujante de “El Vosque” y autora de casi todos los Woodies del mismo cómic. Ahora es su turno de contar su propia historia, con sus propios personajes y en sus propios términos. Porque si no todos, muchos dibujantes quieren también contar sus historias, no solo dar forma a las palabras de otras personas. En buena parte, todos somos cuentacuentos.

Y “Por siempre jamás” tiene esa sensación de por fin poder contar las historias que quieres.

«No te ofendas, es un juego»

ATENCIÓN: Recomiendo que, antes de empezar, leáis los artículos que me han llevado a hablar de este tema, que el contexto es importante:

«What We Talk About, When We Don’t Talk About Natives», de Dia Lacina

«Resulta que Horizon Zero Dawn también es ofensivo», de Juan Tejerina

(GTM ya no existe como web, aquí enlace en archive.org… tendréis que seleccionar el texto, porque está sobre fondo negro)

Vale, ¿listos? Pues al turrón.

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Este post que os planto tiene su origen en una opinión publicada en Games Tribune Magazine (GTM, que citaré solo como medio donde se ha publicado por respeto al código ético de la web, si bien la opinión expresada es de su subdirector) en respuesta a un artículo acerca de la representación de los nativos americanos y la apropiación cultural en el nuevo bombazo de PS4, “Horizon Zero Dawn”.

No quería hablar de esto. De hecho, en Twitter me estuve mordiendo la lengua y solo respondiendo a algunas personas. Sin embargo, la paciencia tiene un límite y aunque nadie me lo haya pedido, me veo en la necesidad de expresarme, aquí, en mi rincón egocéntrico de Internet, donde tochear a gusto, y donde se pueda debatir más abajo en los comentarios.

No voy a hablar de apropiación cultural, ni de colonialismo, ni hasta qué punto se «toma prestado» de culturas nativas de América del Norte, de los antiguos pueblos celtas y vikingos, o de los ainu, entre otras cosas. Primero, porque no he jugado a “HZD”; segundo, porque me reconozco ignorante en esos temas.

Quiero hablar de otra cosa que sí me toca, y de la que he pecado (y seguramente siga pecando), y que queda evidente aquí: nuestra reacción cada vez que alguien lanza una crítica por un aspecto problemático en la ficción y/o en la realidad.

Sí, tenemos un problema muy grave si cada vez que alguien alza la voz («se ofende», según nosotros) saltamos con «no exageres» o ponemos cualquier excusa para hacer de menos una opinión diferente a la nuestra.

Shantae, una heroína semigenial

Seguramente cuando alguien vea el título de esta entrada y sepa que estoy hablando de “Shantae”, la saga de juegos de Wayforward, pensará que estoy diciendo que los juegos están bien pero no son para tanto o algo así… cuando no deja de ser una burda traducción del último juego de la heroica y mágica bailarina de cabellera letal: “Shantae: Half-Genie Hero”.

Siendo sincero, Shantae es de esos personajes que sabía que existían, pero por alguna razón habían caído en el olvido hasta que Wayforward sacó el crowdfunding para traerla de vuelta…

… aunque en realidad traerla de vuelta no es al 100% correcto porque “The pirate’s curse” estaba a la vuelta de la esquina.

Más bien se puede decir que con “Half-Genie Hero” querían apostar por algo más que reciclar sprites para una nueva aventura, y que la medio-genio defensora de Scuttle Town tuviera un lavado de cara en general.

Pero antes de nada, repasemos su historia… y mi paso por jugar los juegos anteriores a la nueva entrega.

Cinebasura, amor por lo cutre

Esto es algo que bastante gente sabe: hay películas que disfrutas incluso aunque sean horribles (lo de «son tan malas que se vuelven buenas» que decimos para autoconvencernos de que no hacemos nada malo). Son películas que de cutres se convierten en joyas para ciertas personas.

¿Quién no ha oído hablar de “Plan 9 del espacio exterior”, de “Troll 2”, de “The Room”, de “Manos, Hands of Fate” y tantas otras?

Estas son películas que a lo mejor cuando las ves solo te aburren o te provocan vergüenza ajena, pero en compañía se convierten en todo un espectáculo pese a la anteriormente comentada vergüenza ajena. Existe cierto poder cuando varias personas se congregan a ver esta diarrea cinematográfica…

… O simplemente es que queremos echarnos unas risas, crueles o no, y punto, y mejor en compañía, para sentirnos arropados ante las heces fílmicas.

El cine cutre casi podría ser un género en sí mismo. Y hay quien quiere replicar esa cutrez aposta y luego salen cosas como “Sharknado”, que de tanto intentarlo son un peñazo vistas tanto solo como en compañía.

Pues la película que voy a comentar es una muestra de amor a este cine colonoscopia: “Cinebasura, la peli”.

La película la vi la semana pasada, en su ¿glorioso? preestreno durante la apertura de la sexta CutreCon (y fue la única película que pude ver en el festival porque tengo una agenda chunga), pero le he querido dar un tiempecillo para rumiarla y pensarla en frío. Y creo que una semana es suficiente tiempo.

Me ha gustado. Y me he reído mucho. Más de lo esperado.

Vale, ahora es cuando viene mi opinión en un tocho…

Con su título, “Cinebasura, la peli” bien podría ser una “Sharknado”, una película que pretende a sabiendas ser cutre. Sin embargo, si uno se acerca, verá que no busca ser otra película cutre aposta. Se sirve de la cutrez para desmontar tropos, reírnos con y de esta clase de películas, y mandar un mensaje claro: podemos disfrutar del cine de cualquier tipo sin hablar de placeres culpables en plan eufemismo barato, que nos tomemos el cine no demasiado en serio, porque como dice Paco Fox en la propia película:

Puedo ver “El séptimo sello” por la mañana, “Los Vengadores” por la tarde y “The Room” por la noche.

Y esa es la filosofía de “Cinebasura, la peli”, cuyos orígenes se remontan a “Videofobia”, a su vez derivado del “Cinebasura” de Movistar+ (si alguna vez habéis visto “Trash entre amigos”, “VHZ” o “Cinemascupe”, pues de eso va: de comentar películas cutres y reírse de lo lindo).

Once años

«Un 29 de enero de hace once años…»

Vaya… pienso en ello y no puedo dejar de darle vueltas. Once años ya. Y en febrero cuatro desde que terminó. Aquellos primeros pasos, esa experiencia, esos altibajos, y todo lo que he recorrido en este tiempo.

Hace once años, una androide de larga cabellera se convertía en el primer personaje en aparecer en un webcómic primerizo, donde el autor se autoinsertó porque sí, aparecieron más personajes, algunos incluso siguen siendo recordados a día de hoy, y hubo muchos, muchos cameos. Mucho antes de que “La tira cómica de Spooky” o “Piratas del Cariberáneo” abusaran de los cameos, un webcómic se les había adelantado.

Obviamente, hablo de “Las Paridas de La Guarida” (a partir de ahora “Las Paridas” o “LPdLG”, para acortar), el que es considerado mi primer webcómic, si omitimos una bosta garystuístca hecha con sprites surgida de un foro de fans de Megaman… aunque ciertos personajes nacieron en esa hez.

Alguno se preguntará que por qué no hablé de “Las Paridas” el año pasado, por eso del décimo aniversario, número redondo y tal. Ya sabéis que no estaba yo muy en condiciones el año pasado (y el anterior), y un aniversario es un aniversario. Aparte, ¿qué tiene de feo el 11? Dos unos juntos, ¿no es bonito también?

Ejem… No nos desviemos…

El mito del esfuerzo

Empecemos por lo obvio, aunque haya que decirlo porque hay quien se empeña en ver lo que no es: jamás diré nada en contra del esfuerzo. Nunca negaré la importancia de que des lo mejor de ti.

De hecho, ya habéis visto en el post catártico anterior que hablaba de mi esfuerzo a la hora de ponerme a cambiar las cosas en mi vida, de la importancia que le doy a trabajar duro en ello. Sin embargo, y también está en el artículo, hay una ayuda externa, una serie de guías que me ayudan a encauzarlo, y os puedo asegurar que sin esas guías mi esfuerzo no serviría por mucho que me partiese los cuernos; ni tampoco olvido el factor suerte, uno de tantos en la vida, que puede ser tanto el haber encontrado a la persona idónea para ayudarme como el tener la disposición de tiempo y dinero para ello.

Y aun con el esfuerzo, siempre hay baches, momentos de bajón… que pueden o no ser cosa mía, pero bueno, ya para eso os leéis aquel post.

¿Por qué todo esto? Porque el esfuerzo está bien, tener el control es bueno, y sin embargo no es lo único en esta vida, y hay muchos factores, muchas variables que no controlamos.

El año que abandonamos algo más tranquilamente

No iba a escribir nada, pero mirad, ha sido volver la vista atrás, leer el post que escribí hace un año y pensar en todo lo que ha pasado en este…

No, cambiar de un año a otro no hace que mágicamente todo empiece de nuevo ni cosas similares. La vida sigue, y los cambios son cosa tuya y de las circunstancias que se den, se dan a lo largo de los días, las semanas, los meses… Pasar de 2015 a 2016 no hizo que de pronto mis problemas desaparecieran…

No dejó de ser lo mismo: estrés, estrés y más estrés. Solo que mucho más concentrado, no en un año entero, sino en 4-5 meses. De esos de no dejarte descansar ni en el puente de mayo, así que imaginad el día a día.

Todo para acabar con el regreso de viejos fantasmas, como un autodesprecio que iba en aumento, una rabia que acababa convertida en amargura, o un hastío que no ha ido a peor debido a pequeños placeres como dibujar una página semanal para “Zodiac” (algo que me ha servido como vía de escape)…

… E incluso he llegado a dudar muy seriamente de mi propia bondad. Circunstancias diversas de mi entorno hicieron que, en fin, pensara que igual yo era realmente un ser horrible del que ni tan siquiera yo era consciente.

En definitiva, que mi situación en casi toda la primera mitad de 2016 era la misma que en 2015: esta escena de BoJack Horseman en el episodio 11 de la primera temporada (ya van tres veces que pongo este gif).

«Voy a ponerme bajo la ducha para no saber si estoy llorando o no.»

El fanart y yo

Como más de una cosa que comento por aquí, esta historia tienes sus orígenes en Twitter. Concretamente, en un hilo de tuits desde la cuenta de NEUH (No Es Un Hobby):

Hacer fanarts es un gran placer. Versionar a tus personajes favoritos, a modo de homenaje, con gran respeto e ilusión. ¿Sentís lo mismo?

— NEUH (@NoEsUnHobby) 14 de noviembre de 2016

Cuando además se trata de versionar personajes de autores que conoces, personas cercanas, que llevan poco tiempo en el mercado, es especial

— NEUH (@NoEsUnHobby) 14 de noviembre de 2016

Cuando sabes tus personajes y los de tus colegas han vivido unos orígenes y evolución paralelos, no puedes hacer menos que emocionarte

— NEUH (@NoEsUnHobby) 14 de noviembre de 2016

Una de las mejores partes de publicar cómics y novelas es pertenecer al mundillo, compartir vivencias con los compañeros.

— NEUH (@NoEsUnHobby) 14 de noviembre de 2016

A raíz de eso yo también escribí un hilo de tuits sobre mi visión de este tema, pero aunque esos tuits siguen ahí, es mejor organizarlo, ampliarlo y ponerlo por aquí, ¿no?

En teoría, hablaría desde la perspectiva de quien hace fanarts, pero en este texto voy a mezclar esa visión con la de alguien que también ha recibido fanarts. Estar en ambos lados ayuda también a tener cierta perspectiva del tema, aunque sea a nivel aficionado…

Y aunque es demasiado obvio, ya advierto: esto es solo una opinión, es mi visión. No es ninguna Verdad Absoluta. Y los comentarios están abiertos como siempre, listos para el debate y las opiniones.

Mighty No. 9

¿Alguien recuerda a Megaman? ¿Rockman? ¿Astroboy con armadura azul que dispara unos proyectiles que parecen huevos, toma los poderes de los robots enemigos y su némesis es un Albert Einstein megalómano?

Ese, sí.

A pesar de ser una de las mascotas más importantes de la historia de los videojuegos, actualmente no pasa de ser una reliquia. El recopilatorio “Megaman Collection” y su aparición en el “Super Smash Bros.” de Wii U han sido sus últimos estertores. Capcom tiene claro que, más allá de la nostalgia, Megaman no vende.

Hace unos años, Keiji Inafune, uno de los creadores de esta saga y la cabeza más visible de la misma, abandonó Capcom por diferencias creativas y comerciales, y junto a sus colegas de Inti Creates (famosos sobre todo por encargarse de “Megaman Zero”) y una nueva compañía llamada Comcept, se dedicó a traer el que sería el sucesor espiritual del llamado Bombardero Azul.

El proyecto se llamaba “Mighty No. 9”. Beck se iba a convertir en el nuevo Rock, o eso nos querían colar.

A través de una campaña de crowdfunding en Kickstarter alimentada sobre todo por la nostalgia (y yo admito haber caído en el truco… todos cometemos fallos), consiguieron dinero suficiente no solo para el juego, sino para un montón de añadidos al mismo. Pero como se dice, algo huele a podrido en Dinamarca… o en Japón, en este caso.

A pesar del triunfo de la campaña de financiación, el juego no dejaba de retrasarse y se creó un nuevo crowdfunding, esta vez para un DLC que incluía a un nuevo personaje, RAY, e insistían en que quien ya hubiera puesto en la campaña anterior tendría el DLC gratis. No mintieron, pero ¿no escamaba ya eso?

Y el tener la ambición de crear un sucedáneo de “Megaman Legends” (parece que esa vez la nostalgia no funcionó) o un piloto de una serie de animación de “Mighty No. 9” hacía las cosas mucho más sospechosas. ¿No intentaban abarcar demasiado?

Seguramente sí, seguramente no. Yo estoy aquí para hablar del juego que, tras tres años de trabajo y retrasos en los que progresivamente iban bajando mis expectativas hasta casi dejar de existir, ha salido a la luz.

El resultado de mi experiencia es el siguiente: “Mighty No. 9” está tan obsesionado con ser el nuevo “Megaman” que se olvida de ser él mismo y renuncia a esa personalidad propia, a esa frescura que las primeras imágenes de Beck mostraban, para estancarse en el pasado y no ver los errores del mismo ni replicar adecuadamente lo bueno.

Esa es la versión corta de mi opinión. La larga, que tiene más cosas positivas, aunque no demasiadas, de las que algunos pensarán, ahora mismo.